La danza contemporánea surge como una reacción a
las formas clásicas y probablemente como una necesidad de expresarse más
libremente con el cuerpo. Es una clase de danza en la que se busca
expresar, a través del
bailarín, una idea, un sentimiento, una emoción, al igual que el
ballet clásico, pero mezclando movimientos corporales propios del
siglo
XX y
XXI.
Su origen se remonta hasta finales del
siglo XIX. En los inicios se buscaba una alternativa a la estricta
técnica del
ballet clásico, empezaron a aparecer bailarines danzando descalzos y
realizando saltos menos rígidos que los tradicionales en el escenario.
Con el tiempo, fueron apareciendo variaciones en las que la técnica
clásica brillaba por su ausencia e incluso se introducían movimientos de
otras técnicas corporales, como el flamenco, movimientos de danzas
tribales y hasta del yoga. Hasta el final de la
Segunda Guerra Mundial, este renovado estilo de danza se llamó
danza moderna, pero su evolución desde finales de los años 1940 en
adelante llevó a que se prefiriese a partir de entonces emplear la
expresión danza contemporánea. Hoy en día, las técnicas modernas
dejan paso a un torbellino de mezclas de estilos, llegándose incluso a
no dejar claro a qué estilo se asemeja o qué patrones se siguen. Se dice
que en la danza contemporánea (hoy día) "todo vale".
Se pueden distinguir en los inicios dos escuelas, la americana y la
europea.
Una característica distintiva es el uso de multimedia para acompañar
las coreografías, como video e imágenes usados de fondo.
La danza clásica tiene una dramaturgia con principio, clímax y
desenlace. La danza contemporánea puede seguir esta estructura o bien,
contar historias de una forma no lineal.
La danza contemporánea puede hablar de un concepto, proponer un
ambiente o presentar movimientos con el propósito de conseguir una
estética determinada, no siempre tiene que contar una historia. Por otro
lado, la danza clásica se construye a través de pasos ya existentes y
siempre codificados mientras que la danza contemporánea busca la
innovación y la creación de nuevas formas de movimiento de acuerdo con
las necesidades del coreógrafo o el intérprete. La danza clásica busca
el preciosismo, lo estructurado y perfecto, la conexión con lo etéreo,
con lo celestial; más bien está ligada al concepto de lo apolíneo. La
danza contemporánea busca la conexión con lo terrenal, con lo humano y
sus pasiones, la no estructura, la transgresión; está ligada al concepto
de lo dionisíaco.
El coreógrafo suele tomar las decisiones creativas. Él o ella elige
si la pieza tendrá un carácter abstracto o narrativo. Los bailarines son
seleccionados en función de su habilidad y entrenamiento. La coreografía
es determinada basándose en su relación con la música o los sonidos con
los que se baila. El papel de la música en danza contemporánea es
diferente al de otros géneros porque puede servir de fondo para la
pieza. El coreógrafo supervisa la elección del vestuario y su valor
estético para la composición general de la actuación y también para ver
como influye en los movimientos de los bailarines.
La danza como las otras artes ha tenido grandes cambios estéticos
durante toda su historia. En los últimos cincuenta años la investigación
y la búsqueda continua de las nuevas formas de expresión ha conducido a
la danza por diferentes caminos hacía la perfección técnica y artística.
Influida por los cambios de la vida social y política y también de otras
artes, la danza ha cambiado su forma de ser, su estética y su percepción
Primera generación: pioneros europeos
Filósofos y
pensadores
Fue el inspirador de la danza contemporánea, primeramente con el
nombre de «gimnasia expresiva» (Bode) o, posteriormente, «gimnasia
rítmica». Afirma que los estados espirituales se deben representar a
través de actitudes y movimientos del cuerpo como unidad, y no
únicamente del rostro. La preocupación por la técnica es mucho mayor que
en el anterior. Divide el cuerpo en tres zonas variables:
- Los miembros inferiores, expresan fuerza
- El torso y brazos, expresan lo espiritual y emocional
- Y la cabeza–cuello, el gesto, reflejan el estado mental
Sus ideas fueron llevadas a EE.UU. por uno de sus discípulos, Steele
Mackaye, que junto con Genevieve Sebbins difundieron e introdujeron
estas ideas por las mejores escuelas de Nueva York.
En Europa es Hedwig Kallmeyer, alumna de Sebbins, quien difunde sus
ideas. En 1930, funda en Alemania el Instituto de Cultura Expresiva y
Corporal, donde enseña como forma de EF para la mujer, el sistema de
Delsarte, y con ello logra su inclusión en la escuela; además publica
Belleza y salud, que supone una reacción contra los movimientos
gimnásticos tradicionales.
Delsarte desarrolla las «leyes del movimiento armonioso», que son:
- Ley de la postura armónica: posición equilibrada y natural como
la posición de reposo perfecta de las estatuas griegas.
- Ley del movimiento opuesto: todo movimiento exige por principios
de equilibrio un movimiento opuesto de los otros segmentos.
- Ley de la función muscular armónica: la fuerza muscular debe
estar en relación directa con el tamaño de los músculos.
Fue el creador de la gimnasia rítmica, euritmia. Fue un hombre
polifacético: músico, coreógrafo, actor, compositor y pedagogo. Sus
conocimientos musicales y corporales le llevaron a percatarse de la
necesidad del aprendizaje de estas dos actividades para el desarrollo de
la persona y a partir de aquí empezó a investigar las leyes del ritmo
musical mediante el movimiento corporal .
Las observaciones que efectuaba en sus alumnos de solfeo del
Conservatorio de Ginebra fueron el origen de su método de gimnasia
rítmica:
- Observó que algunos progresaban auditivamente de una manera
normal; sin embargo, les faltaba la capacidad de medir los sonidos,
la sensación de duración y el ritmar las sucesiones.
- Comprobó que frecuentemente reaccionaban con movimientos
involuntarios de ciertas partes del cuerpo a consecuencia de la
música (pe: golpeando el suelo con los pies), deduciendo así que
podía existir alguna relación entre la acústica y los centros
nerviosos superiores.
- No todos los niños reaccionaban de la misma manera. Muchos no
conseguían coordinar sus movimientos, al no responder correctamente
el cuerpo a las órdenes nerviosas.
Basándose en estas observaciones concluyó que:
- Todo lo que en la música es de naturaleza motriz y dinámica,
depende no sólo del oído, sino también del tacto.
- Consideró que la musicalidad puramente auditiva era incompleta.
- La arritmia musical es fruto de una arritmia de carácter
general.
- No es posible crear armonías musicales sin poseer un estado
musical armónico interior.
El método de Dalcroze es un método de enseñanza musical a través del
ritmo y el movimiento. Utiliza una gran variedad de movimientos como
analogías para hacer referencia a los conceptos musicales, para
desarrollar un sentimiento integrado y natural para la expresión
musical. Para su método, señala tres elementos centrales: ritmo, solfeo
e improvisación. Su finalidad consiste en armonizar las facultades de
percepción, conciencia y acción por parte del alumno. Pretende
regularizar las reacciones nerviosas del niño, desarrollar sus reflejos,
proporcionarle automatismos temporales, luchar contra sus inhibiciones,
afinar su sensibilidad y reforzar sus dinamismos.
Para Dalcroze la rítmica no es un arte en sí, sino un medio o
instrumento para llegar a las demás artes. Su aportación fue
revolucionaria al ser el primero que señala la importancia de la música
en el desarrollo personal y por marcar los inicios de lo que más
adelante sería la musicoterapia.
Los contenidos de trabajo empleados son:
- ejercicios de reacondicionamiento físico
- ejercicios para la educación de la mente
- estudio activo y creador del ritmo corporal.
- estudio activo y creador del ritmo musical.
Creadores de
técnicas
Interesado en las ciencias esenciales para la comprensión del
movimiento, estudió matemáticas, física, química, anatomía y fisiología.
Viajó alrededor del mundo en busca de la actividad natural y cultivada.
El ballet reclamó su mayor atención. Fue enemigo declarado de las
“puntas” y creía que el gesto expresivo tenía que dar origen a una
liberación total del alma y del cuerpo, en la misma línea que Isadora
Duncan.
Laban elabora e interpreta los conceptos sobre el movimiento y la
danza, definiendo tres sistemas:
- Labanotación: es una forma de recordar los movimientos por medio
de símbolos. Consigue establecer una técnica de lenguaje escrito y
fiable de los movimientos, de los dinamismos, del espacio y de todas
las acciones motrices del cuerpo.
- La técnica del icosaedro: permite a los estudiantes de danza ver
los puntos hacia y desde los cuales se mueven, mejorando su
precisión en el movimiento.
- La danza expresiva, libre, creativa o danza educativa moderna:
establece un conjunto de principios y conceptos sobre el movimiento
con la finalidad de servir como guía de investigación y de reflexión
sobre la manera de efectuar y concebir el movimiento. De esta forma
el individuo, a partir de unos temas específicos, ha de explorar y
familiarizarse con el movimiento, llegando a descubrir su propia
técnica y elaborando su propio lenguaje corporal.
Para Laban la danza es una forma de expresión corporal de un
individuo o grupo, y cada uno tiene su propia danza; por eso la técnica
de la misma ha de facilitar diversas posibilidades de acción que le
hagan reforzar su personalidad.
Una sesión de danza contemporánea podría contener los siguientes
elementos:
- Entrenamiento corporal: acondicionamiento corporal y físico.
- Estudio del movimiento: es el centro de la sesión; se
experimentan y realizan secuencias de movimientos individuales y
grupales.
- Composición: verifica el dominio del tema trabajado
anteriormente.
- Observación consciente: observación de las composiciones
anteriores para favorecer el espíritu crítico, y relajación activa o
pasiva.
Otras aportaciones de Laban son:
- Los coros de movimiento: que se caracterizan por el énfasis que
pone en los movimientos idénticos de varios danzantes para expresar
emociones.
- Una técnica de los movimientos considerándolos desde cuatro
aspectos:
- Tiempo: le interesa la rapidez y la lentitud y los cambios
entre las dos (aceleración y desaceleración).
- Peso: considera el movimiento fuerte y ligero. Los factores
tiempo y peso dan la cualidad dinámica al movimiento.
- Espacio: lo relaciona tanto con el modo en que nos movemos
como con la dirección en que lo hacemos.
- Flujo: este factor penetra en todo el movimiento y confiere
la sensación de ser detenido o sujetado.
Discípula de R. V. Laban, aporta como elemento la “intuición
creadora”. Considera que el oficio de bailarín es una vocación. Influyó
en la formación de bailarines, creando su propia escuela. Su influencia
sobre la evolución de la gimnasia moderna se basa en la expresividad
exagerada de los gestos y en la alternancia entre contracción y
relajación, manteniendo actitudes continuadas tensas y crispadas que
varían hacia movimientos dinámicos y alegres ritmos. Utiliza distintas
etapas en su enseñanza y entrenamiento de la danza: parte de la danza
sin ningún acompañamiento musical, luego introduce instrumentos de
percusión (en los que destacan los tambores) y finalmente llega la
música.
Fue un profesor, bailarín y coreógrafo alemán. Después de estudiar
danza con Rudolf Laban inauguró una escuela y su compañía llamada
Ballets Jooss. Se volvió maestro de danza en 1930 para el teatro de
ópera en Essen, donde hizo la coreografía de su ballet The Green
Segunda Generación
Tercera Generación
En plena
Guerra Fría se desarrolla la danza contemporánea-clásica de muy
distinta manera en los distintos países europeos. La influencia de las
escuelas de
Laban y
Mary Wigman se ejerce sobre numerosos artistas y aparecen en todas
partes unos cuantos intérpretes-coreógrafos que no llegan a crear
escuela. Tampoco la situación económica (Europa se recupera de dos
guerras) como geopolítica (Europa dividida por el
"Telón de acero") propician la creación de escuelas o movimientos
estables de Danza.
También es importante el establecimiento de diversos coreógrafos y
pedagogos norteamercicanos, provenientes de la Modern Dance en
Francia, España, Suecia, Alemania y Austria. La difusión de las técnicas
Graham, Limón, Horton y Cunningham serán importantes en el futuro
desarrollo de la danza actual europea.
No es hasta la década de 1980 que la danza contemporánea europea, sus
intérpretes y creadores toman consciencia y comienzan a desarrollarse
compañías con sus particularidades en cada uno de los países:
